quarta-feira, 7 de dezembro de 2011

A musicalidade de Claudio Santoro

Claudio Franco de Sá Santoro (Manaus, 23 de novembro de 1919 — Brasília, 27 de março de 1989) foi um compositor e maestro brasileiro.
Nascido em Manaus, ainda menino começou a estudar violino e piano, e seu empenho fez com que o Governo do Amazonas o mandasse estudar no Rio de Janeiro. Aos 18 anos, já era professor adjunto da cátedra de violino do Conservatório de Música do Rio de Janeiro.
Em 1941 passou a estudar com Hans-Joachim Koellreutter, integrando também o grupo Música Viva, do qual se tornou um dos nomes mais ativos, ao lado de Guerra Peixe). Passou a adotar o (dodecafonismo) como técnica de composição, sendo um dos mais radicais críticos do meio musical brasileiro.
Em 1948 teve recusado seu visto para ir aos EUA como bolsista, devido à sua militância no PCB. Como segunda opção, foi a Paris para estudar com Nádia Boulanger. Durante sua estadia na Europa, participou, como delegado brasileiro, do II Congresso Mundial dos Compositores Progressistas em Praga, na então Tchekoslováquia. Neste congresso foi apresentada oficialmente a doutrina soviética do Realismo Socialista aplicada à música, da qual Santoro passou a ser praticante, defensor e divulgador no Brasil.
Já bastante conhecido, recebeu um prêmio da Fundação Lili Boulanger, em Boston. Entre os avaliadores estavam os compositores Igor Stravinski e Aaron Copland.
Claudio Santoro foi professor fundador do Deptº de Música da UnB (Universidade de Brasília). Faleceu em 1989, época em que exercia o posto de Regente Titular da Orquestra do Teatro Nacional de Brasília, atualmente a Orquestra Sinfônica do Teatro Nacional Claudio Santoro.

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Aqui você encontra o trecho da obra de Claudio Santoro, fragmento do Duo para violoncelo e violino, escrita por esse magnifico compositor brasileiro, curtam o trecho e pesquise mais sobre esse grande mestre.




violino, violoncelo

Fantasia Sulaméricana


Quem poder contribuir mais sobre a tragetoria desse grande mestre, post em comentarios para uma avaliação do texto, para reformularmos cada dia nosso conteudo.

segunda-feira, 5 de dezembro de 2011

James van Dinamarca


01.Franz Schubert - Quinteto para Piano em A, TheTrout Op.114, D.667, I. Allegro vivace
02.Franz Schubert - Quinteto para Piano em A, TheTrout Op.114, D.667, II.Andante
03.Franz Schubert - Quinteto para Piano em A, TheTrout Op.114, D.667, III.Scherzo (Presto)
04.Franz Schubert - Quinteto para Piano em A, TheTrout Op.114, D.667, IV.Andantino
05.Franz Schubert - Quinteto para Piano em A, TheTrout Op.114, D.667, V. Finale (Allegro)


quinta-feira, 1 de dezembro de 2011

Beethoven Piano Trio in D The Ghost

  Opus 70 é um conjunto de dois Trios para Piano por Ludwig van Beethoven , escrita para o piano , violino e violoncelo . Eles foram publicados em 1809 .
A primeira, in D major, conhecido como o Fantasma , é uma das suas obras mais conhecidas do gênero (apenas rivalizado pelo Trio Arquiduque ). O trio D apresenta temas importantes encontrados no segundo movimento da Sinfonia de Beethoven No. 2 . A música All-Guia afirma que "por causa de sua estranha marcou e inegavelmente estranha sonoridade movimento lento, foi apelidado de" Ghost Trio ". O nome pegou com o trabalho desde então. A música fantasmagórica pode ter tido as suas raízes em esboços para uma ópera Macbeth que Beethoven estava pensando no momento. "
Estas peças são representativas de Beethoven período "Middle" estilística, que passou de cerca de 1803 a 1812 , e que incluía muitos dos seus trabalhos mais famosos. Beethoven escreveu os dois trios de piano ao mesmo tempo passar o verão de 1808 em Heiligenstadt, Viena , onde ele havia terminado seu Symphony No. 5 , no verão anterior. Ele escreveu os dois trios imediatamente após terminar sua pastorale Sinfonia , Sinfonia No. 6 . Este foi um período de incerteza na vida de Beethoven, em particular porque não tinha fonte segura de renda no momento.
Depois de terminar a trios, no outono de 1808, ele começou a esboçar a Fantasia coral , o trabalho considerado o "primeiro rascunho" do último movimento da Sinfonia N º 9 . ​​Embora estes dois trios são às vezes numerados como "No. 5" e "N º 6", a numeração de doze trios para piano de Beethoven não é padronizado, e em outras fontes Op os dois. 70 trios podem ser mostrados como tendo diferentes números, se houver.




Jacqueline du Pré Em Portrait

Jacqueline du Pré in Portrait Image
Jacqueline du Pré capturado a imaginação do público quando ela ainda estava na adolescência, em parte porque ela tinha um relacionamento muito incomum e elevada com o violoncelo Elgar Concerto. Para os críticos e público em geral, suas performances focado nova atenção sobre o pathos inerente a obra-prima melancólica Elgar e tinha uma qualidade emocional que nunca mais foi igualada por qualquer outra pessoa. Jogou-o primeiro no Royal Festival Hall em Londres em 21 de Março de 1962, quando ela era apenas 17 anos de idade. Na manhã seguinte, Neville Cardus, um dos escritores mais ilustres da Inglaterra sobre a música, descreveu o trabalho em The Guardian como "Um cisne-canção de rara beleza e de fuga", e ele revisou seu desempenho dele em termos tão fortes e poéticos como qualquer idade 17 anos já recebeu de um crítico sênior. Ele concluiu sua revisão com estas palavras: "Aqueles realmente presentes foram testemunhas, no primeiro dia da primavera, a um florescimento precoce em jogar a senhorita du Pré, e tal florescimento um belo como este ano, ou qualquer outro ano, é provável que sabe por um longo tempo para vir. " Nos próximos anos, Jacqueline du Pré ganhou uma platéia entusiasmada para o concerto, não só no Reino Unido, mas no resto da Europa, nos Estados Unidos e na União Soviética. Jogou o trabalho pela última vez em 1973, quando sua brilhante carreira como um dos melhores músicos que a Inglaterra já produziu, foi interrompida pela esclerose múltipla. Depois de 1973, ela não poderia mais tocar violoncelo, mas ela continuou a ser um corajoso e aventureiro espírito, sua paixão pela música undimmed e sua atitude em chegar a um acordo com a sua doença como tocar como ele foi corajoso. Este filme começa com um relato de suas atividades após o início de sua doença. Ele termina, a pedido Jacqueline du Pré, com uma versão re-editada do filme que fizemos com ela em 1967, um filme que esboços sua infância eo desenvolvimento de seu talento musical, seu encontro com Daniel Barenboim e sua união em 1967 , sua relação com o Concerto de Elgar e, finalmente, uma performance completa da obra com a Philharmonia Orchestra conduzida por Daniel Barenboim -. um desempenho que é notável por todos os padrões e, para muitos, completamente inesquecível Há contribuições de Daniel Barenboim, Sir John Barbirolli, Charles Beare (que cuidou dela violoncelos longo de sua carreira), William Pleeth, Iris e Derek du Pré (pais Jacqueline du Pré) e com música de Camille Saint-Saëns, du Iris Pré, Couperin François, Granados Enrique, Max Bruch, Johannes Brahms e Elgar Edward.

O Espírito
Isto é quase certamente a melhor performance já filmado desta grande obra -. Trio de Beethoven Piano Opus 70 N º 1, conhecido como O Fantasma O trabalho é uma obra-prima, o fascinante desempenho e as filmagens, nas palavras do cinema francês e ópera diretor Jean-Pierre Ponnelle, a tradução de maior sucesso da performance musical na tela que ele já tinha visto. As filmagens tiveram lugar em Smith St John Square, Londres no dia 12 de Maio de 1970, antes do início da doença Jacqueline du Pré e no os primeiros dias do Barenboim / du Trio Pré / Zukerman, que prometia tornar-se um dos Trios para Piano de todos os tempos. Em 1808, o compositor e violinista Louis Spohr foi convidado para um ensaio na casa de Beethoven do Trio Piano D grande Opus 70 N º 1, conhecida como The Ghost, e escreveu sobre a ocasião: "Não foi uma experiência agradável. Em primeiro lugar o piano foi terrivelmente fora de sintonia, que não problemas Beethoven, no mínimo, uma vez que ele não podia ouvi-lo. Pouco ou nada restou da técnica brilhante que tinha sido tanto admirava. Em voz alta passagens o pobre homem surdo martelar as notas caindo através de grupos de todo-los de modo que, sem a pontuação perdida todo o sentido da melodia. Fiquei profundamente comovido pela tragédia de tudo isso. Melancolia quase contínua de Beethoven não era mais um mistério para mim. "

Fundo
No início de Maio de 1970, eu registrei uma igreja convertida em Londres, conhecido como Smith St John Square, para filmar um recital com Andrés Segovia. Quando estávamos já muito perto da data de filmagem, o americano impressario Sol Hurok jogou uma chave inglesa nos trabalhos. Ele aconselhou Segovia contra fazer o recital com a gente porque ele acreditava que ele poderia arranjar algo "melhor", ou seja, mais lucrativo, nos Estados Unidos. Na verdade, ele nos fez um favor, porque sem a sua intervenção nem o nosso filme do Fantasma com Jacqueline du Pré, Pinchas Zukerman e Daniel Barenboim, nem o nosso filme Andrés Segovia: THE SONG da guitarra, que acabou sendo um tiro no Palácio da Alhambra, em Granada, existiria. No final, nunca projeto Sol Hurok voou e assim, seis anos mais tarde, em 1976, nós fomos com Segovia para Granada e filmou-o no Palácio da Alhambra, um local muito melhor que, para usar as próprias palavras de Segovia, era "Leitmotiv da sua vida eo local onde ele abriu os olhos para a beleza e nasceu pela segunda vez -. eo mais importante " Encontrando-me com uma reserva no São João e nada para filmar, eu liguei para Daniel Barenboim e Jacqueline du Pré, em Brighton Eu tinha acabado de ouvi-los tocar Trio Beethoven Espírito em shows in. . Oxford e Brighton O concerto Oxford em particular, tinha deixado uma impressão em mim que era indescritível, uma daquelas coisas que a música pode, por vezes, fazer, e que não pode ser explicado -. algo extraordinariamente elevados que parece permanecer para sempre na memória eu perguntei se eles poderiam vir a Londres para jogar ESPÍRITO para nossas câmeras na Smith St John Square. Eles vieram para cima no primeiro trem da manhã e voltei no último trem naquela noite. No final de tudo, nós tinha o Espírito de filme. Eu sou profundamente grato por ter tido essa oportunidade. Alguns meses mais tarde, assim que terminou de colocar o filme juntos, convidei os três vê-lo em um teatro de Londres. Antes da triagem eu disse que lamentava que o filme nunca poderia capturar o espírito extraordinário que haviam gerado em seus shows em Oxford e Brighton. Quando a seleção terminou Jacqueline du Pré, sem qualquer aviso e antes de qualquer outra pessoa havia dito uma palavra, de repente, disse: "Eu não concordo com você. É muito melhor no filme ".. Ficamos todos surpresos e eu perguntei por que era melhor no filme. Ela respondeu: "Porque você pode ver o que está acontecendo e isso acrescenta uma outra dimensão". discordei com ela porque eu tinha sido na sala de concertos e para aqueles que eu tinha visto, sentido e ouvido o efeito que tiveram sobre aquelas audiências. Senti que ela tinha sido muito atarefado no palco no momento de saber qual o efeito que ela estava tendo. Ela insistiu, no entanto, e é uma medida tanto da sua generosidade e de sua percepção do que um filme pode fazer isso falou essas palavras. E então concordamos em discordar. Doze anos mais tarde, eu estava jantando com ela em Londres, quando ela já estava muito doente e Daniel Barenboim chamado a partir de Paris. "O que você está fazendo?", perguntou ele. "Ter jantar com Kitty" (seu apelido para mim). "Bem diga Kitty que eu mostrei o fantasma Jean-Pierre Ponnelle ontem à noite e ele disse que pensa é a tradução mais bem sucedidos da música na tela que ele já viu ". Dentro de dois segundo Jackie disparados contra mim." Você vê. Eu te disse ". Ninguém, nem mesmo seus amigos mais próximos, seria de se esperar que ela se lembre que, depois de 12 anos, mas diz algo importante sobre o tipo de pessoa que ela realmente era. Ela era um espírito alegre, com certeza, ela era definitivamente outro mundo, mas ela não era tão fay como a maioria das pessoas pensava. Ela realmente não estava interessado na trivia diária, mas, sobre a música e as coisas que realmente importam para o coração humano Jackie era um virtuoso. Ela também foi rocha sólida em suas percepções que funcionou extremamente profundo. Levei alguns anos para perceber totalmente o que ela estava me dizendo e foi uma das lições mais importantes da minha vida profissional. Agora eu sei que ela estava certa e que algo de mágico que esses três artistas maravilhosos criados em palco tem, afinal, foram capturados na câmera, permanece lá para o futuro, e vem toda para o espectador perspicaz.

Sonata para violoncelo


  A Sonata para violoncelo é um trabalho final do compositor francês Claude Debussy . Foi o primeiro de uma série planejada de "Six sonates derramar instrumentos mergulhadores, no entanto Debussy só completou dois outros, a sonata para violino e as sonatas para flauta, viola e harpa. A sonata para violoncelo e piano foi escrito em 1915, e é notável por sua brevidade, não mais performances superior a 11 minutos. É um grampo do repertório do violoncelo moderno e é comumente considerada como uma das melhores obras escritas para o instrumento.
É dividido em três movimentos a curto:
  • I. Prólogo: Quaresma, sostenuto e molto risoluto
  • II. Serenata: Modérément animé
  • III. Final: Animé, léger et nerveux
Os dois movimentos finais são unidas por um attacca . Em vez de forma sonata , estruturas de Debussy a peça no estilo da sonata do século XVIII monotemático, e foi particularmente influenciado pela música de François Couperin .
A peça faz uso de modos e de todo o tom e pentatonic escalas , como é típico de Debussy estilo. Também utiliza diversos tipos de técnica de violoncelo estendida, inclusive da esquerda pizzicato , spiccato e flautando curvando, harmônicos falsos e portamenti. Não surpreendentemente, a peça é considerada tecnicamente exigente.

Joseph Haydn - Concertos para Cello Nos. 1 e 2

   Já havia postado o Concerto No.1 de Haydn para celo com o antológico Mstilav Rostropovich. E mais uma vez este extraordinário concerto surge aqui. Desta vez ele vem acompanhado do concerto No.2 - que ouço neste instante. Não chega a ter a mesma alegria, o mesmo nível de reflexão (como no adagio do No.1), mas é bastante agradável. Além do que, este concerto No.2 não é tão conhecido como o primeiro. Haydn é, necessariamente, um gênio. Enquadrá-lo como um compositor "menor" ou "antiquado" é desmerecer completamente a obra desse gênio que contribuiu de forma significativa com "a feitura" da música ocidental. Atualmente estou lendo o livro de Otto Maria Carpeaux Uma Nova História da Música. Trata-se de uma viagem panorâmica feita desde o canto gregoriano, que segundo o autor, é a gênese da música erudita ocidental, propriamente dita. Hoje, lia sobre Haydn. Carpeaux na obra citada menciona algo necessário sobre Haydn: "O chamado classicismo vienense: isto é a tríade Haydn - Mozart-Beethoven. É uma rotina historográfica que falsifica completamente a perspectiva histórica: como se Haydn tivesse sido o fundador e o menos perfeito dos três, Mozart já melhor e 'Beethovem' o melhor dos três. Um progressismo tão simplista merece ser radicalmente eliminado. Haydn não é 'menor' nem 'imperfeito'". A prova mais cabal das palavras de Carpeaux pode ser verificada em muitas das obras que entraram para a história - A Criação, As 12 Palavras de Cristo na Cruz, As Estações e etc. Aqui temos um Haydn vigoroso e jovial nestes dois concertos para cello com um grande interpréte - Rostropovich. É um registro formidável. Boa apreciação!
 
Joseph Haydn (1732-1809) - Concertos para Cello Nos. 1 e 2

Concerto para Cello No. 1 in C , Hob.VIIb/1
1. Moderato 9:54
2. Adagio 8:29
3. Allegro molto 6:23

Concerto para Cello No.2 in D, Hob.VIIb/2
4. Allegro moderato 14:29
5. Adagio 5:10
6. Rondo (Allegro) 4:57

Total: 49:34

Academy of St Martin in the Fields
Mtslav Rostropovich, cello & regência

BAIXAR AQUI

Cd 2Cellos – 2Cellos


2Cellos (2CELLOS estilizado) é um cello duo composto por croata violoncelistas Luka Sulic e Stjepan Hauser . Assinou contrato com a Sony Masterworks desde 12 de Abril de 2011, [1] os dois foram descobertos após o upload de um vídeo musical de seu violoncelo-somente cobrir de Michael Jackson & Smooth Criminal &para o YouTube .
Banda:2Cellos
Nome do Álbum:2Cellos
Gênero:Rock, Classico
Ano de Lançamento:2011
Gravadora:Sony Masterworks
Tamanho:97 Mb
Formato:mp3
Qualidade:320 Kbps
1 Where The Streets Have No Name
2 Misirlou (Theme From Pulp Fiction)
3 Use Somebody
4 Smooth Criminal
5 Fragile
6 The Resistance
7 Hurt
8 Welcome To The Jungle
9 Human Nature
10 Viva La Vida
11 Smells Like Teen Spirit
12 With Or Without You
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quarta-feira, 30 de novembro de 2011

Técnicas de Arco

Existe algumas escolas sobre arcadas, a escola francesa, alemã e americana são as mais conhecidas. Cada cultura prima e defende sua técnica, por exemplo, se você for usar a técnica alemã na França os professores franceses pedirão para corrigir a pegada para o modelo deles e assim cada um defenderá sua técnica em seus respectivos países.

Nós aqui no Brasil, temos o previlégio de poder seguir a técnica de arcada que preferimos, ou melhor, de acordo com a nacionalidade da peça podemos utilizar a técnica referente, ou seja, somos livres para escolher a técnica que quisermos alemã, francesa ou americana sem nos ser repreendidos à "técnica correta".
 
Especificidades sobre cada técnica:
 
A técnica alemã objetiva sons mais robustos, fortes e pesados. Separa-se somente o dedo indicador para promover a pronação, deixando juntos os dedos médio, anular e mindinho; essa forma de agarrar o arco permite os tipos de sons desejados da técnica específica. O movimento do punho geralmente é mais acentuado para garantir uma posição horizontal perfeita do arco.


A técnica francesa objetiva sons mais leves, pianos e fluentes. Separa-se os dedos indicador e mindinho, cada um em seu extremo, o indicador para movimento de pronação (arco ascendente) e o mindinho para movimento de supinação (arco descendente). A movimentação do punho é delicado, não exagerado em sua angulação.


A técnica americana tem bastante influência das técnicas alemã e francesa, quase sendo um misto entre as duas. Os dedos tendem a ficar todos levemente separados e a movimentação do punho segue identica a francesa, ou seja, sem exageros nos dobramentos.
 
OBS.: O dedo polegar em todas as culturas de técnicas citadas sempre deve estar apoiado na ponta da primeira falangue, nunca na chapa do dedo, respentando o curso do tendão. Assim, você Celista, não cançará tão fácil e manterá uma vida saudável dos seus dedos longa e musical.
 
Os golpes de arco mais utilizados são:
  • Détaché
  • Martelé
  • Portato
  • Spiccato
  • Sautillé
  • Ricochet
  • Staccato Martelé
  • Staccato Spiccato
  • Sataccato Volante Arcadas
PROCURE UM PROFESSOR DE VIOLONCELO NA SUA CIDADE!

Créditos:http:// violoncelosdemaceio.blogspot.com

terça-feira, 29 de novembro de 2011

Gran Duo Concertante

O Gran Duo Concertante foi composta pelo italiano Contrabaixista virtuoso Giovanni Bottesini (1821-1889) em 1880. Originalmente escrito para dois contrabaixos e orquestra, a peça foi estreada por Bottesini e Negri Luigi, um ex-colega do compositor. Negri foi aluno de Luigi Rossi no Conservatório de Milão, ao mesmo tempo como seu colega mais bem conhecido.

A peça é um movimento único, alastrando e geralmente dura cerca de 15 minutos se jogado até tempo, mas essa estimativa pode variar muito devido à interpretação dos artistas da música. Enquanto concertos duplos foram, em geral composta por diferentes instrumentos, Bottesini não parecem considerar a praticidade questionável de uma peça que requer dois muito talentosos baixistas dupla. Camillo Sivori, um discípulo de Niccolò Paganini, transcrita uma das partes de baixo para violino logo após sua estréia. Versão Sivori é que hoje mais comumente ouvida, apesar de sua contribuição é raramente reconhecido e até mesmo a maioria dos baixistas são inconscientes de instrumentação original da peça.

Bottesini também escreveu outro concerto para dois contrabaixos, intitulado "Gran Duo Passione Amorosa" de uma forma mais tradicional, o formato de três movimentos



sábado, 26 de novembro de 2011

a redescoberta do manuscrito

Per questa bella mano KV 612 de Mozart: a redescoberta do manuscrito de uma ária de concerto para voz,
contrabaixo obligato e orquestra e a reabilitação de uma prática de peformance “de afinação equivocada”

Resumo:

Estudo histórico sobre a ária Per questa bella mano KV 612 de Wolfgang Amadeus Mozart desde sua composição em 1791 até sua mais recente edição em 1996, passando pela redescoberta do original em 1979. Análise das práticas de notação e de peformance do contrabaixo no período clássico, com ênfase no ressurgimento da afinação em terças e quarta justa do violone vienense. Apresentação de duas obras do repertório para voz,
contrabaixo e orquestra: as primeiras edições das árias Selene, del tuo fuoco non mi parlar de Johannes Sperger e Lied an den Contrabass de Adolph Müller. Inclui a tradução para o português, dos textos poéticos originais em alemão e italiano das três peças.


Tobias Glöckler
(Tradução de Fausto Borém e Larissa Cerqueira)

A incrível arte de ser Músico de Orquestra

vasculhando os mais sites e blogs que encontro por ai, encontrei um texto muito importante para os demais sonhadores que desejam estar em uma orquestra a nivel profissional, ou não, espero que cada leitor aprecie e faça proveito das palavras de quem o postou.

fonte: http://violonsambista.wordpress.com/

    

  Amo orquestras. Amo assistir orquestras. Amo tocar em orquestras (apesar de meu lado cada vez maior de sambista, que me diverte e me encanta, me dá leveza).
Todo mundo que convive comigo nas orquestras SABE que estou SEMPRE reclamando, mas de verdade, confesso, eu AMO tocar em Orquestras. Eu queria que as condições fossem melhores, que as coisas fossem mais bem feitas, que houvesse ensaios mais exigentes, mais ensaios para cada concerto, mais respeito à grandiosa obra já escrita para orquestra, pelos maiores gênios da humanidade… por isso reclamo…
A “Orquestra Ideal”, como uma Orquestra da Philadelphia, uma Filarmônica de Berlim, uma Filarmônica de NY, está sempre soando na minha cabeça, nas minhas concepções, por isso, é óbvio que estou sempre reclamando ao tocar nas nossas queridas orquestras brasileiras, porque infelizmente, para quem já teve o privilégio nessa vida de ouvir uma dessas MEGA orquestras maravilhosas, SABE que não há a menor possibilidade de comparação, ainda, infelizmente, quem sabe um dia. Para isso trabalhamos, em busca dessa perfeição que sabemos que nunca vamos atingir: somos idealistas.
Eu tenho que confessar o que, estranhamente, parece inconfessável: eu sou musicista de orquestra mesmo. Não nasci para solista, não gosto de me impor, de mandar, nem de aparecer, e, apesar de solar ser muito divertido e um imenso desafio que nos faz crescer imensamente, é um grande sofrimento e uma grande pressão, é brutal, talvez seja meio masoquista, mais do que consigo ser, pelo menos na maior parte do tempo.
Para camerista sim! Nasci também para camerista, adoro. Pois Música de Câmara é Champagne com caviar, é para poucos, pessoas que querem tocar mesmo que isso implique ficar mais pobre, não receber, receber pouquíssimo. Não ter um enorme público. É uma arte que consegue ser ainda mais delicada, é sutil, gostoso, lindo, prazeroso, feliz e divertido… é “La creme de La creme”. É andar de 1ª. Classe, de Iate, coisa assim. Felizmente tenho tido esse privilégio com meu quarteto e meu duo (Quarteto Nobilis e duo com a pianista Olga Lazareva – maravilhosos amigos e maravilhosos artistas!).
Mas… confesso que NASCI para ser musicista de Orquestra. E digo mais: fila. E digo mais, músico de fosso, escondidinho, que faz ballet e ópera, entra e sai quase sem ser visto.
Não nasci para spalla. Me explico: tenho déficit de atenção, e o spalla, além de ter de liderar (coisa que não me deixa nada à vontade), tem que estar MUITO atento. Ele tem de dar entradas, decidir arcos interessantes, ser pessoa legal com os demais, mas ainda assim ser líder, decidir sempre, ouvir sem deixar os outros tomarem conta, ser sério, ser calmo (coisas que não sou, sou uma brincalhona ansiosa!), ser delicado, mas, principalmente, ele tem que ter uma capacidade de prever coisas, se antecipar, e MUITA atenção, coisa que confesso que realmente não tenho. Esse déficit de atenção só foi detectado por mim depois de 15 anos de carreira, ao ler um livro sobre o assunto, logo, não havia mais jeito, e, apesar de isso me atrapalhar MUITO, dá para ir levando. Por exemplo, se você for me contar um fato e no meio da frase disser: “ …eh…” e continuar a sua narração, no meio desse “ …eh…” (uma simples pausa para um respiro, ou para se lembrar de algo), eu já pensei pelo menos 3 coisas diferentes, de outros assuntos. Acredito que concentração absoluta é característica de um bom spalla. Então… sou fila mesmo.
Nasci, vou confessar o absolutamente inconfessável, nasci para ser daquelas estantes do meio. Gosto de servir, sempre prefiro virar página para meu colega, não fico muito à vontade com alguém virando para mim, com essa “superioridade hierárquica”. Eu era aquela criança que, numa disputa, pegava o último lugar, a menor quantidade de balas, o pior instrumento da bandinha, eu não nasci para essa competição ferrenha, para me engalfinhar com um monte de gente para pegar o que eu queria mais, em detrimento de deixar outro infeliz. Mas… o mundo também PRECISA desse tipo de gente. As pessoas que servem também são MUITO necessárias. A sociedade nos faz achar que só tem valor o que manda, o que faz sucesso, o líder. Mas isso não é, em absoluto, verdade.  O Mundo também tem necessidade de “formiguinhas”. Ser formiguinha é uma arte. Me explico ainda mais a seguir.
Uma vez um colega definiu um dos maiores violoncelistas de orquestra do Brasil, elogiando-o, como “formiguinha”. Ele disse: “Fulano é formiguinha, sabe, é o cara que faz o trabalho que tem que ser feito, que leva as partes pra casa e estuda tudo, tudo mesmo, até afinação, aquele que, quando ninguém está tocando aquela parte, só dando uma enrolada, fulano é o cara que está tocando tudo, todas as notas, porque alguém tem que estar tocando mesmo! Eu não tenho tempo pra ficar estudando partes”… Bem, essa pessoa, apesar de ter dito isso, é um músico maravilhoso, e desde então eu sonho e trabalho para ser essa formiguinha. Além de ser algo extremamente necessário e digno, eu acho o trabalho de formiguinha, do simples músico de orquestra, algo lindo, sutil, delicado, especial.
Considero esse trabalho como, simbolicamente, uma parábola da vida de um ser humano. Se você faz seu trabalho de formiguinha BEM feito, a SUA parte, a Orquestra melhora, o mundo melhora. É como na frase de Guimarães Rosa: A colheita é comum, mas o semear é sozinho”.
Acho a arte de se tocar em orquestra uma das mais elaboradas, complexas, difíceis e incríveis: o trabalho para se aperfeiçoar é infinito. Você precisa tocar bem, você precisa ter sua parte bem feita (só esse item é trabalho para a vida toda), ser pontual, não faltar, ser prestativo, ser bom companheiro, não pode ser mal humorado (como eu, ai, ainda tenho MUITO que evoluir), você precisa trabalhar bem em equipe (isso, acredite, pode ser extremamente difícil, dependendo da situação). Você precisa respeitar hierarquias, precisa amar o que faz para poder fazer bem feito, precisa SEMPRE dar o seu melhor.
Tem um cellista que admiro muito, que toca o tempo todo como se fosse concerto. Cheio de garra, de vontade, de entusiasmo e de capricho. Para ele, jogo é jogo, mas treino também é jogo. Entrega total. Por isso o admiro tanto. Ah, e a cada ensaio ele vem tocando melhor. Isso é ser bom músico de orquestra.
Um bom músico de orquestra, também, precisa conhecer música de orquestra, de ópera, de ballet, concertos de outros instrumentos, CONHECER mesmo, saber até as letras das óperas, se possível, pelo menos das árias famosas, e isso leva tempo, estudo e MUITOS anos de experiência. Precisa ter hábito de ouvir muita música, de muitos compositores, de muitos estilos, se possível conhecer as partituras da música toda (a parte do maestro), ter hábito de ouvir acompanhando a partitura. Conhecer. Isso poupa muitos erros nos ensaios.
Precisa respeitar hierarquias, jamais peitar os spallas, mesmo se eles forem piores tecnicamente (sim, isso muitas vezes pode acontecer). Precisa agir assim: aprender com quem sabe mais, e, também, com quem sabe menos, e fingir que sabe menos do que quem acha que sabe mais, para haver respeito e bom clima. Nunca comprar briga (eu já fiz isso umas vezes, no passado, e me arrependi pra sempre), nunca levantar a voz, e quando lidar com um colega doente mental, no mau sentido da palavra (sim, incrivelmente, isso pode acontecer), com aquele EGO maior do que o universo e a capacidade de criar encrenca com o mais calmo dos colegas, achar um jeito de não provocar esse maluco, e de pôr todos os panos quentes possíveis na possível encrenca. É claro que, às vezes, nem isso funciona.
O músico precisa, além de tudo, ser tão bom artista, a ponto de fazer idéias musicais maravilhosas, de dinâmicas e de fraseados (já que, na maior parte das vezes, os maestros não têm essas idéias, ou nem tem tempo de ficar trabalhando a música frase por frase – peraí: isso não é o que eles deviam fazer?!?! Bem, eles não fazem isso muito, então cabe a nós). Essas idéias musicais têm de ser tão lindas a ponto de levar o naipe inteiro junto, a ponto de levar o outro naipe do lado, a ponto de “infectar” de bom gosto e de graça a orquestra toda, o público todo, a música toda, a vida toda. 
Além desses “pequenos detalhes”, o músico precisa ter boa leitura (tenho trabalhado arduamente para melhorar isso em mim, pois é um dos meus grandes problemas, e acho que é o de quase todo mundo que escuta e decora logo, a pessoa para de ler, e então acaba não treinando tanto isso). Precisa tocar COM os outros. Afinar COM os colegas, timbrar com o colega do lado, com o naipe do lado, às vezes COM os DOIS naipes do lado, mais ainda com o outro naipe lá longe, que está fazendo a nota grave, ou tocando a mesma melodia que você, ou um contracanto da sua voz.  O músico de naipe, quando sola o seu naipe, tem de solar em naipe mesmo, ou seja, o som dos seus instrumentos tem de ser algo único, e não 10 cellos, ou 40 violinos, um tentando aparecer mais do que o outro.
O músico de orquestra tem de aprender a aceitar idéias alheias, tocar com arcadas, articulações, idéias, tempos, concepções, regiões de arco, gostos alheios, seja de seu chefe (spalla, maestro, etc) ou colega, ou seja, também aprender a dançar conforme a música, ainda que seja o avesso da sua idéia pessoal (e normalmente, sempre é o avesso).
Ah, e o músico de orquestra deve SEMPRE tratar seu maestro com respeito, ainda que possa internamente, discretamente ou não, odiá-lo, achá-lo incompetente, achar seu gosto medonho, tem de haver respeito, mas SEM SE DEIXAR manipular, jamais. Isso é tão complexo quanto as idéias de Einstein. É algo quase impossível. Isso é um trabalho de titãs, realmente, quase impossível. Eu, da minha parte, quase sempre estou contra os maestros, mas muitas vezes (talvez a maior parte delas) eles não têm a menor idéia disso, porque estou sempre sorrindo, apesar do meu MEGA mal humor. Em Santos eles sabiam, a orquestra era pequena, e eu era muito bocuda, hoje em dia aprendi a ser menos bocuda, mas, ainda assim, me acho muito “cheia de idéias”, e isso, para os maestros, sempre parece altamente “subversivo”. Então, tenho ficado mais quieta (só um pouco), mas… confesso que às vezes é difícil, e fico ali, resmungando, muitas vezes mais alto do que seria prudente. Na TPM principalmente.
Não é fácil ser mulher em orquestra! As mulheres de orquestra são extremamente compromissadas com seus trabalhos (a maioria, claro), mas os homens ainda passam muito mais nos concursos, talvez saibam melhor se impor, ou talvez os maestros, secretamente, ainda achem os homens mais eficientes, mais inteligentes, sei lá. Se for isso, temos mesmo que manter nossos ódios aos maestros (não aos homens, é claro).
Bem, um bom músico de orquestra ainda tem que saber solar quando precisa, tem que ter a parte solo do spalla estudada (ou do 1º. Instrumentista dos sopros), para substituí-lo em caso de problema sério e necessária troca.
Ah, e o músico tem que saber acompanhar! Quando for acompanhamento, acompanhar. Sim, parece tão simples! Mas não é. Isso implica OUVIR. Ouvir implica se achar MENOS importante do que os outros, fazer aquilo que nossas mães e avós falavam: “quando um burro fala, o outro abaixa a orelha”. Tem que ser uma pessoa que ajuda, que gosta de amparar, tem que ser feita, no acompanhamento, a frase do solo, afinação e pulsação caminhando JUNTO com o solo, e não se impor jamais. Implica ser educado e deixar o outro aparecer. Aquela coisa de dar lugar para alguém passar. Implica ser gentil. Coisa rara na sociedade moderna. Sumir, embora estando ali, presente. Ser firme na pulsação e na afinação, e ainda assim deixar o outro liderar. Difícil!
Uma vez, um maluco professor da faculdade me chamou de canto e me disse: “sabe, eu assisti ao ensaio do coro, e reparei que você está sempre ligada em tudo, ouvindo todas as vozes, reparando em todas as coisas, você não devia ser musicista de orquestra! Você devia ser maestrina, ou solista…você tem bom ouvido demais para ser músico de orquestra!”… Desde então, esse professor despencou no meu conceito, foi a pessoa que mais menosprezou o músico de orquestra que encontrei na vida até hoje! E o cara é músico!!! Fiquei TÃO indignada, injuriada, até hoje me ofendo com ESSE comentário! Desde então, decidi para sempre: SOU MUSICISTA DE ORQUESTRA, que PRECISA de ter bom ouvido, para a orquestra ser boa, ora bolas!
Ah, sem falar que músico de orquestra TEM que estudar SEMPRE com afinador e com metrônomo, para aprender a ouvir, a ter humildade, são verdadeiros “pais dos burros”, e se TODOS estudassem com essas ferramentas tecnológicas maravilhosas, metade do trabalho dos maestros seria poupado.
Tudo isso, e mais milhares de minúsculas nuances fazem parte do dia a dia complexo e desafiador de um músico de orquestra. Acho minha profissão linda. Quando vejo uma orquestra fico sempre pensando quanto valem todos aqueles instrumentos juntos (não em valor financeiro, mas quanto esforço cada músico, cada família, fez para adquirir aquele instrumento, que é o melhor que cada um que está ali tocando foi capaz de comprar, a custa de MUITO sacrifício, na absoluta maior parte das vezes). Quantas horas cada um gastou com a bunda na cadeira estudando, quantos anos cada um estudou, quantas horas de abdicação daquele lindo sol lá fora, de ócio, de descanso, de sono, da saída com os amigos, do fim de semana com a família, de praia, de tanta coisa. Ofício MUITO nobre e MUITO complexo. Esses dias foi o dia do músico. Um aluno me falou, eu de verdade nem sei que dia é, mas eu tenho sim, muito orgulho de ser musicista de orquestra, porque o que seria da vida (da minha, com certeza), sem orquestas? O que seria de um filme maravilhoso, de um casamento, de um grande evento, de um musical, sem a música? O que seria de “E o vento levou” sem aquela trilha, por exemplo? E dos filmes do Spielberg?
Eu SOU musicista que CHORA em tuttis de orquestra românticos, em finais de óperas, que se emociona com a delicadeza e a complexidade dos barrocos, que é desafiada pela leveza dos clássicos, que se envolve pela garra dos modernos, que é afrontada e obrigada a aprender na marra pela dificuldade dos contemporâneos, que se arrepia inteira nos trechos ápices das músicas, que tenta fazer o melhor pelo benefício de um solista, que é iluminada pelo brilho dos outros.
Quando vi pela primeira vez uma orquestra, quando criança, foi amor à primeira vista. Aquela sensação de predestinação, de atração para o abismo. Eu SOUBE que era isso que eu ia querer fazer para sempre. E SOUBE que teria que abrir mão de MUITA coisa para isso. E chorei de emoção.

Auguste Joseph Franchomme e os12 Estudos para Cello

  Nascido em Lille , Franchomme estudou no conservatório local, com M. Mas Baumann e Pierre, antes de continuar sua educação com Jean-Henri Levasseur e Louis-Pierre Norblin no Conservatório de Paris , onde ganhou seu primeiro prêmio somente após um ano.
Ele começou sua carreira tocando com várias orquestras e foi nomeado solo de violoncelo na Sainte-Chapelle em 1828. Juntamente com o violinista Jean-Delphin Alard , professor de Pablo de Sarasate , eo pianista Charles Hallé , criador da Hallé Orquestra Sinfônica, ele foi um dos fundadores e membro do Quarteto Alard . O Quarteto era raro para um ensemble de câmara de seu tempo, pois consistia em músicos profissionais. Franchomme também pertencia às fileiras fundação da Société des Concerts du Conservatoire .
  Franchomme forjou amizades próximas com Felix Mendelssohn , quando este visitou Paris em 1831, e com Frédéric Chopin . Em 1833, Chopin e Franchomme colaboraram para escrever um concertant Duo Grande para o piano e violoncelo, com base em temas de Giacomo Meyerbeer 's ópera Robert le diable . Franchomme também reescreveu as peças para violoncelo de Chopin Polonaise Brillante, Op. 3, e foi o homenageado de Chopin Sonata para violoncelo, op. 65 . Franchomme também foi o homenageado da sonata para violoncelo de Charles-Valentin Alkan
Com exceção de uma viagem à Inglaterra em 1856, Franchomme dificilmente deixou Paris, onde se tornou uma figura central da vida musical da cidade. Em 1843, ele adquiriu o Duport Stradivarius do filho de Jean-Louis Duport para a soma então recorde de 22 mil francos franceses . Ele também possuía a Munck De Stradivarius de 1730. Franchomme conseguiu Norblin como o professor titular de violoncelo no Conservatório de Paris em 1846, e sua classe incluída Jules Delsart (que sucedeu seu mestre), Louis Hegyesi , e Ernest Gillet.
  Franchomme foi o mais célebre violoncelista do seu tempo e contribuiu para o refinamento da curvando técnica elegante, doce, e leve-o que distingue a escola francesa desenvolvidos por Jean-Pierre e Jean-Louis Duport . Sua mão esquerda era famoso por seus poderes hábil, preciso, e expressivos da execução.
Como compositor, publicou algumas obras Franchomme 55 para violoncelo, incluindo os Doze Caprichos , Op. Cit. 7, e os Doze Études , com cello segunda opcional, op. 35; um concerto para violoncelo , op. 33, bem como inúmeras outras peças, com piano, orquestra, ou acompanhamento de câmara

Fonte do texto:http://wikipedia.org.com

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quinta-feira, 24 de novembro de 2011

Biografia Gary Karr

Desde sua estréia com Leonard Bernstein ea Filarmônica de Nova York em 1962, Karr se apresentou como solista em seis continentes, com orquestras, incluindo a Orquestra Sinfónica de Chicago, Orquestra Filarmónica de Londres, Hong Kong Philharmonic, Sinfônica de Montreal, Simon Bolivar Orchestra (Caracas, Venezuela), Jerusalem Symphony, Filarmónica de Oslo, Orquestra de Câmara de Zurique, e com as principais orquestras da Austrália.
Na TV a cabo italiano, três considerandos Karr contrabaixo alcançado 20 milhões de amantes da música clássica. Os CDs numerosos que Gary Karr foi gravado e lançado no Japão são "topo das paradas de gravação" favoritos no Extremo Oriente. A BBC tem apresentado dois filmes de vídeo de Karr, um uma iluminação de sua vida e música (Bass surpreendente) e um de uma série para crianças. Em sua terceira gravação com a London Symphony Orchestra, Karr realizado o Concerto para baixo por John Downey. CBS Sunday Morning celebrada carreira de Gary Karr e da Universidade de Wisconsin lançou um vídeo demonstrando a sua abordagem de ensino para contrabaixo (bassically Karr), além de um concerto de vídeo especial para crianças (Karrtunes).
Uma das mais orgulhosas conquistas Karr é a Medalha de Bronze que recebeu da Fundação Rosa Ponselle que o reconhece como um músico excepcional lírico. Gary é o detentor orgulhoso de 1997 Artist / Teacher of the Year Award da Associação de Professores de Cordas Americano do (ASTA). Ele também detém o Distinguished Achievement Award (1995) da Sociedade Internacional de Baixistas (ISB). Gary Karr participou do Concert Rainforest Bi-anual no Carnegie Hall com o colega-baixista Sting, Stevie Wonder e outros em 1997. Em 1999, um novo livro escrito por Claude Kenneson, intitulado Prodígios musicais - Journeys Perilous, Lives Notável foi lançado pela Amadeus Press, que inclui uma passagem que descreve o amor affair Karr início com o contrabaixo.
Em junho de 2001, Gary Karr jogou seu concerto de despedida do público, como parte da Sociedade Internacional de Baixistas Convenção de 2001, em Indianápolis. Um grande público, que incluiu 800 baixistas 20-7 diferentes países participaram neste evento. No final deste considerando com seu pianista, Harmon Lewis, Karr foi dado o prêmio Distinguished Professor do ISB. Ele também foi presenteado com um dom muito especial de mais de 200 de seus colegas e fãs ... uma rosa recém-desenvolvido nomeado em sua honra para comemorar seus quarenta anos no palco internacional de concertos

Planejamento de arco na prática orquestral: considerações e aplicações



Sumário:

Esse trabalho aborda aspectos do uso do arco na execução dos instrumentos de cordas friccionadas no
repertório orquestral tradicional. Partindo da análise de aspectos básicos relacionados ao movimento
do arco e seu contato com o instrumento, mostraremos a importância do assunto para os regentes de
orquestra, principalmente aqueles que lidam com orquestras juvenis, e como o conjunto desses fatores
influenciam no resultado final, qual seja, a performance musical. O texto se fundamenta em conceitos
de uso do arco propostos por Dourado (1998) e Salles (1999). O objetivo foi discutir o uso do arco e
sugerir opções de arcadas considerando direção, distribuição, velocidade, ponto de contato, peso e
golpes de arco em trechos selecionados do repertório.

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